“香港电影衰亡史”第五章：一次绝唱，和周星驰的悲伤 | 长篇研报连载

作者 | 罗兰

流程编辑 | 小白

“

1992，香港电影衰落元年。

”

天马影视的内容自制能力如此糟糕，不仅与自身受限的资本实力有关，恐怕还和当前香港电影工业的整体颓势有着密切的关系，毕竟天马影视本身就是一家香港电影公司，出品的也都是港产片。

由于“香港电影的衰落”这个话题太大，风云君就只谈几个方面，范围只限定到商业类型片。（备注：以下数据来源于香港电影发展局、香港票房有限公司、香港商务及经济发展局以及《振兴香港电影工业政策报告》并由风云君整理。）

一、港片的90年代

香港电影由盛转衰的拐点是1992年。

1992年港产片的外销收入和本地收入均达到历史最高点，分别为18.6亿港元和12.4亿港元，此后便从高点一路掉头向下，分别下滑至1998年的2.52亿港元和4.22亿港元。

其中在1995-1996年，港产片的外销收入跌幅更是高达63%，直接拦腰砍一半。

以前港产片超过50%的票房收入都是在外埠市场，此后本土市场的票房收入逐渐超过外埠市场。

就香港本土电影市场而言，从1992年开始，香港电影大盘（即总票房）就出现了萎缩，从15.52亿港元下降至1998年的9.66亿港元。

其中，外语片在香港的票房收入在不断增长，并于1997年达到6.08港元，首次超越了港产片在香港的票房收入。

在整体市场萎缩的情况下，外语片竟然是逆势上涨的。

到本世纪初，香港电影无论是在前沿阵地的外埠市场，还是在防线稳固的本土市场，都已全线崩溃了。

香港这个几百万人口的弹丸之地，在上世纪70、80年代曾经拥有称霸亚洲的电影工业体系。在鼎盛期，香港一年就可以生产超过200部电影，电影产量和出口量仅次于美国的好莱坞。

那个时候，香港电影的全球影响力不亚于好莱坞，在中国台湾、韩国、马来西亚、新加坡、泰国等香港邻近的市场，甚至拥有足以抗衡好莱坞的地位。

那么香港电影为什么会在90年代初期走向衰落？

二、被遗忘的技术革命

风云君认为最主要原因是香港电影没有在技术层面上进行自我革新，从而丧失了与好莱坞大片PK的能力。

90年代之前，香港电影的工业水准与好莱坞相差不大。两者在叙事方式和拍摄技巧上都已经模式化，都用程序严谨的工业流水线，批量生产电影。

商业元素的运用方面，香港电影也玩得和好莱坞一样溜，你有枪战、追车、爆炸、香艳等元素，咱也有。

进入90年代后，IT技术革命引爆的数字化浪潮，开始席卷整个好莱坞。在世界大多数地方还是用传统工业流程去生产电影的时候，好莱坞已经率先开始大规模使用CG（Computer Graphics的缩写，中文译为计算机图形）技术，极大推动了电影工艺在技术层面的更新换代。

这场数字革命直接将好莱坞电影的工业水准提升了一个档次，不仅将绝大多数国家和地区的电影工业远远甩在身后，也全面拉开了与香港电影之间的差距。

其实同其他地区相比，香港的电影工业体系算是很成熟、很商业化了，没想到好莱坞率先完成数字化升级，直接对香港电影构成了“降维打击”式的威胁。

原先，大家都是工业1.0模式，而好莱坞已经进化为工业2.0模式。

以前，好莱坞有创意，也有钱，但是技术上受限，要提高视觉效果，只能把钱花在道具

和外景上。

电脑特效技术成熟之后，好莱坞的想象力彻底得到了解放，制片商可以尽情创作出各种具有新颖主题和宏大世界观的影视作品，比如《哈利波特》、《指环王》等奇幻片，以及《蜘蛛侠》、《复仇者联盟》之类的超级英雄片。

1993年，《侏罗纪公园》横空出世，这是影史上第一部广泛采用CG技术制作动物的电影。影片的全球票房超过10亿美元（含重映），上映当年曾创下全球电影票房最高纪录，巨大的商业价值让好莱坞的老板们狂喜不已。

《侏罗纪公园》的成功不仅是电影特效史上的一个里程碑，也标志着IT革命对传统电影工业的改造取得了决定性的胜利，好莱坞CG大片正式崛起。

也是在同一年，素有票房号召力的周星驰，携代表作《唐伯虎点秋香》在香港本土市场与《侏罗纪公园》正面硬刚，结果惨遭失利，票房差距足足有2千多万港元。

凭借6223万港元的票房收入，《侏罗纪公园》轻松压过《唐伯虎点秋香》，不仅夺得了香港票房冠军，也刷新了香港电影市场的票房纪录。

这是自1980年以来，香港本土市场的票房冠军首次从本土电影易主，香港电影与好莱坞电影的实力对比，已经发生逆转。

1995年上映的《玩具总动员》，是动画史上首部完全采用CG技术制作的长篇动画电影，是好莱坞运用CG技术革新传统动画的又一次商业性尝试。该片由乔布斯旗下的皮克斯动画工作室负责制作，迪士尼负责发行，乔布斯亲自担任执行制片人。

以《玩具总动员》为分水岭，好莱坞的动画电影从2D升级到3D立体式，在视觉体验和制作成本上，进一步拉开了与二维动画的差距。

1997年《泰坦尼克号》的上映，使CG大片的全球票房第一次跃上10亿美元级别。

从此，技术派开始全面统治好莱坞的商业电影。

俗套却又屡试不爽的爱情故事，再加上令人叹为观止的视觉奇观，《泰坦尼克号》在香港不出意外地击败了同期由成龙、洪金宝联袂出演的《一个好人》，成功拿下1997年香港票房冠军。

这一次，功夫巨星的功夫再好，也挡不住好莱坞大片的特效轰炸。

2000年后 ，好莱坞依然没有停止对电影技术进行升级与改造。

2003年《指环王》的全球热映，又一次掀起了电影工业的技术革命，好莱坞开始大规模使用动作捕捉（motion capture）技术来制作虚拟角色。

动作捕捉技术，简单讲，就是记录并处理人或其他物体动作的技术，捕捉的动作包括两大部分：身体动作和面部表情。电影中使用动作捕捉技术，一般要先通过传感器等捕捉设备和系统，获取动作，然后再进行CG处理与渲染。

《指环王》里的动作捕捉技术还比较初级和粗糙，到了后面的《阿凡达》、《猩球崛起》，其捕捉技术的精度已经得到极大的提升，角色的表情不仅自然而且流畅。

三、《无间道》，一次回光返照

就在好莱坞一步步朝着数字化狂奔的时候，21世纪初的港片还是停留在工业1.0模式，本来香港的电影市道就不景气，还要直接面对好莱坞的竞争压力。

这个时候恐怕没有谁比香港电影人更加焦虑的了。

低迷的香港影坛，急需一帮有影响力的电影人，推出一部有号召力的作品来提振整个行业的信心。

《无间道》就是在这种背景下出现了。

《无间道》几乎把当时全香港电影圈能找来的人，都找来了。刘伟强、麦兆辉负责导演工作，麦兆辉、庄文强负责编剧工作，刘德华、梁朝伟、黄秋生、曾志伟四大影帝联合主演，同时还有陈冠希、余文乐、陈慧琳、郑秀文等各路明星的加盟。

从阵容看，《无间道》可以说是集全港之力的救市之作，影片于2002年12月上映之后，广受好评，在香港市场拿到了超过5000万港元的票房收入，一举问鼎当年的香港票房冠军。

在随后的香港金像奖上，《无间道》横扫16项提名，最终拿下包括最佳影片、最佳导演、最佳男主角在内的7个重要奖项。台湾金马奖上，《无间道》再获13项提名并拿下6项大奖，成为金马奖最大赢家。

就《无间道》本身的质量而言，说Ta代表了当时香港商业电影的顶级制作水准，绝不为过，其豆瓣评分高达9.2，位居豆瓣电影Top20，可谓实至名归。

《无间道》系列的成功，为惨淡的香港电影市场打了一针强心剂，但Ta毕竟还是工业1.0模式下的产品，无法扭转香港电影工业整体下滑的大趋势。

《无间道》三部曲，就像是港产片溃败前，短暂的回光返照。

香港电影界的一些有识之士，已经意识到了数字化对现代电影产业的重要性，并开始在影片中大量应用CG技术来提升视觉效果。

周星驰就是最典型的例子，他是华语电影里使用CG技术的先驱式人物。

四、喜剧大师周星驰的悲伤，和他壮美孤苦的追赶

《少林足球》是周星驰作品从单纯的喜剧片，逐渐转型成CG大片的分界线。

在这部作品中，周星驰已经有了大范围运用电脑特效的倾向，无厘头式的喜剧元素依然是影片的基础，但是在这基础上，动作特效明显变多了，整部片子一共有400多个特效镜头。

2001年，周星驰携《少林足球》再次与好莱坞奇幻特效大片《哈利·波特与魔法石》正面硬刚，最终《少林足球》以6074万港元的票房，力压当年的全球票房冠军《哈利·波特与魔法石》，成为香港票房年度冠军。

周星驰本人亦凭借此片，首次拿到香港金像奖最佳导演和最佳男主角奖。

3年之后的2004年，周星驰携《功夫》归来。《功夫》是周星驰真正意义上的第一部CG大片，也是周星驰最后一部带有强烈港式风格和香港气质的电影。

在《功夫》中，无厘头搞笑元素被进一步削弱，作品的立意和主题也更加严肃化。由于有好莱坞大厂哥伦比亚影业的投资，《功夫》的特效场面做得相当出色，视觉效果完全是好莱坞化的。

从类型上划分，《功夫》已不属于喜剧片，更不是无厘头喜剧片，而应该算作奇幻类特效电影，全片的亮点都在电脑特效上，喜剧桥段只是锦上添花。

在大本营香港，《功夫》以6123万港元的收入，击败好莱坞科幻灾难大片《后天》，不仅赢得了香港票房冠军，也创下香港影史上最卖座港产片纪录。

在内地，《功夫》以1.73亿人民币的票房再度击败好莱坞大片《指环王：王者归来》成为年度冠军，在台湾，则豪取3亿新台币，是当年台湾华语片票房冠军。

在中国以外的市场，《功夫》也取得了重大的商业成功。影片打破二十几个国家华语片票房记录，问鼎四十几个国家华语片票房冠军 。

然而，尽管《功夫》取得了口碑和票房双丰收，但是离好莱坞一线CG大片还是有差距，像当时的《指环王》、《哈利波特》系列，其制作成本就有1个多亿美元，都和《功夫》的总票房差不多了。

CG大片不仅有技术门槛，而且有很高的资金门槛，越逼真的特效，越烧钱。那些动辄投资数亿美元的好莱坞大片，基本都是把钱砸在了特效上，像制作成本高达2.37亿美元的《阿凡达》，其特效费用就达到了2亿美元，占比超过80%。

香港华语片最高票房不超过7000万港元，狭小的盘子根本无法承接高投入、大制作的CG电影。

那些想要学习好莱坞，走CG技术路线的香港电影人，唯有北上，拥抱和融入庞大且高速发展的内地市场，才能提高中国电影整体的工业水准。

于是在《功夫》之后，周星驰的工作重心逐渐迁往内地，周氏作品也开始全面内地化，采取类似做法的还有徐克、郭子健等知名导演，这就对香港电影造成了两个方面的影响。

五、港影北上

第一个影响是港片在整个华语电影世界的边缘化。

根据中国国家统计局的数据，中国内地人口在2020年已经突破14亿，而香港人口不过700多万，台湾人口也不过2000多万，即便算上超过4500万的海外华侨华人，内地市场依然是华语圈最大的市场。

越庞大的市场，越有利于发展特效技术。

所以，全球电影产业加速数字化的过程，其实也就是华语电影加速内地化的过程，凡是想拍华语大片的资本和人才，一定会加速流入内地，内地将成为华语电影的制作中心。

在这样的趋势和环境之下，单靠香港自己的电影工业，是无法打造出CG大片的，也无法独自抗衡好莱坞，只有走合拍之路。

未来的港产片只能定位于中小成本的电影，而制作大片的目标则主要由内地来实现。

第二个影响是某些香港特有的类型片可能会走向消亡。

我们还是以周星驰为例，《功夫》之后周星驰推出的电影比如《长江七号》、《西游降魔篇》、《美人鱼》等，虽然在票房上获得了空前的成功，也在不断刷新中国电影的最

高票房纪录，但是这些作品都是奇幻片，而非港式喜剧片，无厘头元素早已消失殆尽。

无厘头文化属于香港流行文化的一种，无厘头喜剧是香港喜剧片独有的流派，喜剧的兴衰由喜剧演员所决定，所以，自周星驰转型之后，包括王晶在内的香港电影人，已经无法推动无厘头喜剧的进一步发展了。

总而言之，《功夫》之后，香港电影失去了周星驰这最后一块金子招牌，其没落已无法挽回。也是从《功夫》之后，好莱坞CG大片开始连续15年霸占香港地区票房冠军宝座，《功夫》成了香港最后一部港片票房冠军。

就在这些CG大片频频突破1亿甚至2亿港元的大关时，香港华语片票房还徘徊在几千万港元左右，两者之间的差距越拉越大。

2009年，《阿凡达》在香港的票房高达1.78亿港元，2019年的《复仇者联盟4》更是一举拿下2.22亿港元的票房。

2014-2018年，香港电影大盘维持在15-20亿港元之间的水平。

具体来看，香港地区的港产片（含香港与内地的合拍片）票房从2014年的3.72亿港元逐渐下滑至2018年的2.45亿港元，与之相反，外语片在香港的票房从2014年的11.93亿港元增长至2018年的16.25亿港元，后者的体量几乎是前者的7倍。

占比方面，外语片占香港票房大盘的比例从2014年的74%扩大到2018年的86%，同期的港产片则从23%进一步萎缩至13%。

港产片除了在票房上被好莱坞大片打得节节败退外，在数量上，也几乎被好莱坞挤出了银幕。从2014年开始，长期萎靡的香港电影工业每年生产的电影数量就在5、60部左右，变化已经不大了。

2019年，在香港上映的353部电影中，最多的是好莱坞电影，共有131部，所占比例高达37%，其次是日本电影，有68部，占比为19%，最后才是港产片，只有53部，仅占15%。

港产片在数量上就比不过好莱坞，更不用谈票房了，而且这还是在自己的大本营市场。

港产片不仅丢掉了本土市场，在外埠的市场分额，也遭到好莱坞大片的全面挤压。

1980年代，内地的电影市场尚未进行市场化改革，容量尚小。港产电影最大的出口市场是中国台湾和韩国，剩下的就是临近的东南亚市场，比如新加坡、马来西亚、泰国等。

不过自1984年之后，这些港片占很大优势的市场，都不约而同地向好莱坞电影全面开放。

1985年，台湾当局在与美国有关电影产业的贸易谈判中失利，好莱坞电影从此不再受到拷贝的限制。台湾当局的这个放任不管的政策，不仅严重打击了台湾本土的电影产业，更让在台湾地区占据很大优势的香港电影，直接要和好莱坞大片硬碰硬。

1981-1998年，台湾地区引进的好莱坞电影数量从3部一路飙升至58部。

同期，台湾电影占台湾地区总票房的比例，从16%一路猛降到只有微乎其微的0.5%，台湾本土的电影工业几近消亡。

1991年的时候，港产片还能占据台湾地区总票房的30%，到了1994年，这一比例已急剧下滑至18%，1996年更是降到只有7%，时间上，刚好与好莱坞CG大片的崛起相吻合。

1998年，香港电影占台湾地区总票房的比例只有3%，几乎完全丧失了台湾这个曾经最大的外埠票仓。

不仅在台湾地区，在韩国以及东南亚等诸国，也发生了与上述类似的情况，香港电影许多传统的外埠票仓相继被好莱坞大片夺取。

从1992年算起，不到十年的时间，好莱坞大片就打败了曾经质量相差不大的港产片。

未完待续。

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